🇲🇽 À la rencontre de Diego Rivera, le peintre de la Révolution mexicaine

Diego Rivera (1886–1957) fut l’une des figures les plus influentes de l’art latino-américain du XXe siècle. Connu pour ses fresques monumentales et ses puissantes prises de position politiques, il fut l’un des acteurs clés du mouvement muraliste mexicain qui émergea après la Révolution mexicaine. Rivera était profondément engagé dans les idéaux marxistes, et sa pratique artistique était indissociable de sa vision politique. Il croyait que l’art devait servir le peuple et refléter les luttes ainsi que les aspirations de la classe ouvrière. Cette conviction s’accompagnait d’une maîtrise technique exceptionnelle : son contrôle de la fresque — en termes d’échelle, de clarté et de composition — était inégalé.

Né à Guanajuato, au Mexique, Rivera grandit durant une période de bouleversements intenses. La Révolution mexicaine (1910–1920) façonna profondément sa vision du monde, et il s’aligna sur ses objectifs de réforme agraire, d’éducation et de justice sociale. Ses fresques, souvent commandées par le gouvernement post-révolutionnaire, représentaient l’héritage indigène, les luttes ouvrières et des scènes de vie collective au Mexique. Rivera chercha à réhabiliter le mur comme espace de discours public, ravivant la technique ancienne de la fresque pour créer des récits ancrés dans l’identité nationale.

Bien que principalement connu pour ces œuvres à grande échelle, Rivera fut également profondément impliqué dans les courants artistiques internationaux. Après avoir étudié à l’Académie de San Carlos à Mexico, il voyagea en Europe en 1907. Là, il découvrit la peinture de la Renaissance ainsi que les mouvements modernistes tels que le cubisme, le néo-impressionnisme et le fauvisme. Son séjour à Paris le plaça parmi l’avant-garde, mais c’est un voyage en Italie qui transforma son approche : la puissance des fresques de la Renaissance le convainquit de se détourner de l’art de galerie et de revenir au Mexique avec un nouveau sens du but.

La vie personnelle de Rivera fut aussi riche que son œuvre publique. Il eut de nombreuses liaisons et mariages, le plus célèbre étant avec l’artiste Frida Kahlo, avec qui il partagea une relation complexe et souvent tumultueuse. Leur mariage, leur divorce, puis leur remariage en 1940 se déroulèrent sur fond de politique révolutionnaire et d’ambition artistique. Malgré — ou peut-être à cause — de leurs différences, le couple devint un symbole du modernisme mexicain et de ses tensions.

La biographie de Rivera est marquée par un mouvement et une réinvention constants. Après sa formation initiale au Mexique et ses années transformatrices en Europe, il revint au pays en 1921 pour participer au programme mural du nouveau gouvernement. Sa première fresque majeure, La Création (1922), peinte à l’École préparatoire nationale de Mexico, lança une carrière qui s’étendit sur plusieurs décennies et continents. Il réalisa ensuite d’importants cycles dans des bâtiments publics à travers le Mexique, notamment au ministère de l’Éducation et au Palais national.

Dans les années 1930, Rivera étendit sa pratique aux États-Unis, réalisant de grandes commandes à San Francisco, Detroit et New York. Sa fresque pour le Rockefeller Center suscita toutefois la controverse en raison de la présence d’un portrait de Lénine ; l’œuvre fut détruite en 1934. Cet épisode révéla la tension entre la politique de Rivera et les institutions élitistes qui cherchaient à bénéficier de son art. Néanmoins, son travail aux États-Unis solidifia sa réputation internationale et posa les bases de sa renommée future.

À la fin des années 1930, la production de Rivera évolua. Ayant subi des réactions politiques et des bouleversements personnels, il se tourna vers des œuvres plus petites et intimes. Parmi celles-ci, ses portraits d’enfants mexicains se distinguent par leur puissance silencieuse. Peints à une époque où Rivera s’était réconcilié avec Frida Kahlo et réfléchissait à son rôle d’artiste du peuple, ces portraits montrent les enfants non seulement comme symboles d’innocence, mais aussi comme incarnations de la promesse révolutionnaire. Rivera déclara un jour : « Ils représentaient la promesse d’un pays nouveau. » Ces portraits, souvent composés avec retenue et une quasi-sacralité, forment un contrepoint poignant à ses grandes fresques.

L'héritage de Rivera demeure fort près de soixante-dix ans après sa mort. Des institutions du monde entier continuent d'acquérir et d'exposer ses œuvres : le Museum of Modern Art de New York (MoMA), qui a accueilli sa première exposition personnelle aux États-Unis en 1931, conserve plusieurs de ses dessins. Le Museum of Fine Arts de Houston a récemment acquis La Bordadora pour plus de 4 millions de dollars, soit plus de cinq fois son estimation, témoignant de l'intérêt constant des institutions pour les œuvres de chevalet de Rivera. Le LACMA, par l'intermédiaire de la collection Lewin, abrite également d'importants exemples de sa pratique.

Si ses fresques politiques sont fondamentales pour l'histoire de l'art latino-américain, elles sont en grande partie inamovibles et donc moins accessibles sur le marché de l'art. De ce fait, ses œuvres de plus petit format, notamment les portraits d'enfants, sont devenues très recherchées. Ces pièces allient la vision monumentale de Rivera à un registre plus personnel et émotionnel. Elles sont de plus en plus prisées par le marché de l'art et les institutions pour leur accessibilité et leur pertinence historique.

L'intérêt du marché pour l'œuvre de Rivera ne cesse de croître. En 2025, Christie's a vendu La ofrenda de Janitzio pour 5,5 millions de dollars, confirmant la forte demande pour ses portraits d'enfants. Son tableau Les Rivaux, de 1931, a détenu le record de l'œuvre latino-américaine la plus chère jusqu'en 2018, année où il a été adjugé 9,7 millions de dollars. Ce record a ensuite été dépassé par Diego y Yo de Frida Kahlo, adjugé 34,9 millions de dollars en 2021.

La vision de Diego Rivera – politique, humaniste et artistique – reste aussi pertinente aujourd'hui qu'elle l'était de son vivant. Que ce soit à travers des fresques monumentales ou des portraits discrets, il a saisi la complexité d'une nation et défini le rôle de l'artiste engagé au XXe siècle.